COMENTARIO DE UNA OBRA GÓTICA La “Majestad” de Duccio A continuación haré un comentario de una de las obras elegidas dentro del panorama de la pintura gótica de los siglos XIII y XIV. Se trata de una obra pictórica realizada sobre tabla. La técnica que usó el pintor fueron las témperas y también el oro. Las dimensiones de la obra en su totalidad son de unos 4,90 m de altura y unos 4’68 m de anchura. Esta obra, llamada la “Maestà” o la “Majestad” realizada por Duccio (fig.1), se encuentra actualmente desmembrada y la mayor parte que se conserva de la misma está en el museo dell’Opera de la catedral de Siena. Fue probablemente en su día una de las obras más famosas de su época en Italia. La “Maestà” está contenida en un retablo, que equivale a todo un ciclo de frescos para una iglesia. (Fig.1) La “Maestà”
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COMENTARIO DE UNA OBRA GÓTICA
La “Majestad” de Duccio
A continuación haré un comentario de una de las obras elegidas dentro del
panorama de la pintura gótica de los siglos XIII y XIV.
Se trata de una obra pictórica realizada sobre tabla. La técnica que usó el pintor
fueron las témperas y también el oro. Las dimensiones de la obra en su totalidad son de
unos 4,90 m de altura y unos 4’68 m de anchura. Esta obra, llamada la “Maestà” o la
“Majestad” realizada por Duccio (fig.1), se encuentra actualmente desmembrada y la
mayor parte que se conserva de la misma está en el museo dell’Opera de la catedral de
Siena. Fue probablemente en su día una de las obras más famosas de su época en Italia.
La “Maestà” está contenida en un retablo, que equivale a todo un ciclo de frescos para
una iglesia.
(Fig.1) La “Maestà”
La obra muestra una serie de características propias del estilo al que perteneció,
el ítalo-gótico. Dentro de este estilo diferenciamos el Ducento y el Trecento, y en esta
ocasión la obra y el autor pertenecerán al arte del Trecento, donde los focos artísticos se
centran en Florencia y Siena. Se desplaza así la atención de Francia, que durante el
periodo anterior era el centro cultural, político y artístico debido al gótico lineal, para
pasar la atención a Italia como centro de Europa. Gracias al arte del Ducento se
desarrollará la pintura trecentista, con sus dos tendencias (florentina y sienesa).
Así pues, la primera está encabezada por la escuela de Florencia, cuyo mayor
representante será Giotto. Las características de Giotto serán que rompe con la tradición
que se seguía del arte bizantino e introduce novedades técnicas y estéticas. Todo ello
dará como resultado el paso al Renacimiento, época posterior a la Gótica. Por otro lado,
la escuela de Siena tendrá como máximo representante a Simona Martini, que se
caracterizará por mantener un fuerte arraigo al arte bizantino y conducirá su arte a lo
que posteriormente será el gótico internacional.
Veremos pues un arte caracterizado por la búsqueda del realismo y la expresión
de los sentimientos. El naturalismo es el punto en común que define esta pintura como
elemento a intentar conseguir. Todo ello implicaba un acercamiento a la naturaleza por
parte de los artistas, donde ven el mundo como un reflejo de la divinidad. Por
consiguiente, la naturaleza será ahora una vía para llegar a Dios.
Ver a la naturaleza como un reflejo de Dios es un cambio en la manera de pensar que
nos viene dada de San Francisco, que es influenciado por el pensamiento de San
Bernardo. Así, se produce un acercamiento total al mundo que les rodea, convirtiéndose
cada criatura en un reflejo del mundo divino. Gracias a esto, el arte se humaniza y el
pensamiento franciscano toma valor, donde los sentimientos, que buscan despertar la
emoción del espectador, se convierten en una característica principal a la hora de
realizar una nueva obra.
Al humanizarse el arte, las escenas ganan dramatismo y se representa tanto el
sufrimiento como la alegría. Por otro lado, la mujer ya no es un símbolo de pecado,
donde la Virgen abre el camino de la salvación para los fieles. También los Santos
tendrán un papel fundamental, y consiste en marcar un ejemplo a seguir para los
hombres.
El naturalismo es, por tanto, el intento y el deseo de unir al hombre con la divinidad a
través de la naturaleza, donde se analizan todos los detalles de la misma para conseguir
el sentido narrativo tan propio de este periodo. Además, el artista buscará un ideal de
belleza durante todo el periodo de la pintura gótica.
Desde el punto de vista compositivo y volviendo a la obra después de explicar
las características principales, vemos cuatro elementos que determinarán cada obra
técnicamente. En primer lugar, vemos el valor del dibujo, donde la línea siempre será
protagonista de las obras pictóricas góticas. En esta obra vemos una preocupación por el
trazo de la línea, que intenta ser más bello y sinuoso que en etapas anteriores. Es un
componente esencial de la pintura, donde Duccio intenta conseguir mayor soltura y
expresividad con la misma. Ya no se limita al contorno de las figuras, sino que intenta
darle un valor decorativo. En segundo lugar vemos el color, que está estrechamente
ligado al dibujo. Duccio, muestra una paleta de colores más suaves, a pensar de los
fuertes coloridos y contrastes propios del gótico. Valora la combinación de los colores,
donde intenta conseguir un cromatismo que ayude a idealizar lo representado. El color
ofrece un carácter expresivo y simbólico, un efecto de riqueza, además de que algunos
colores estaban ligados a un tipo de sentimiento. Todo esto resultó extremadamente útil
a la iconografía del momento. La pintura del Trecento sufre una evolución desde el
punto de vista técnico, donde en un principio vemos colores puros, planos, hasta
encontrar los que poco a poco se van matizando y creando distintas tonalidades. Se
produce, de esta manera, un tránsito. En esta obra vemos el resultado de la búsqueda de
de nuevas tonalidades que evoquen la divinidad. Esta gama de colores están más
estudiados y presentan gran diversidad de matices impensables para la época anterior, la
Románica.
Sin embargo, unido al color estará el desarrollo de la luz, que es otra de las
características de la pintura gótica. La luz no la encontramos en la pintura gótica hasta
fases muy avanzadas de la misma. Por el contrario, vemos el desarrollo de fondos
dorados como elemento simbólico que representa la luz. Ésta se identifica con Dios, con
lo sagrado, por lo que es normal que el arte gótico le de tanta importancia ya que entra
dentro del nuevo pensamiento religioso, el acercamiento a lo divino a través de la
naturaleza. Así pues, aún vemos la representación de la luz con fondos dorados en la
obra de Duccio, pero podemos apreciar posibles indicios de una búsqueda de
luminosidad a través de contrastes en los pliegues de las ropas y en algunos colores.
Además, al igual que lo que sucede con la luz, el espacio adquiere un carácter sagrado.
Se ha recuperado poco a poco la preocupación por el sentido espacial. Duccio muestra
esta preocupación e intenta solventarla con una yuxtaposición de diversos puntos de
vista que convergen en líneas de fuga fuera de la composición.
Con todo ello, hay también una preocupación por la figura, donde el artista intenta crear
una anatomía realista con el estudio de los cuerpos. Claramente vemos como Duccio
buscó tal proporción y realismo, mostrándonos su intento por mejorar en el estudio de la
misma. A diferencia de etapas anteriores vemos un dibujo más proporcionado y donde
se estudia la figura como algo real.
(Fig.2) “La Virgen Entronizada”
Pasando a la parte de la
composición, vemos en la obra La
Majestad una escena, la cual podemos
dividir en partes para poder estudiar
mejor cada una de ellas. El panel central
delantero, en el que aparece la Virgen
Entronizada (fig.2) vemos que va
acompañada de un grupo de ángeles
situados a su alrededor y todo un grupo
de santos en actitud orante o a punto de
interceder. El tema ya había sido usado
de forma frecuente en los ábsides, sin
embargo supone una evolución desde las
primeras imágenes medievales a la sacra converzione cuatrocentista. Así, también se
incluyen los cuatro santos patrones de Siena y en el zócalo del trono aparece una
inscripción. En esta inscripción esta escrito: “Mater sancta Dei sis causa Senis requiei.
Sis Ducio vita te quia pinxit ita”, que significa “Santa Madre de Dios, sé causa de paz
para Siena. Sé vida para Duccio, que así te pintó”.
Este retablo tenía como función sustituir la anterior obra, la famosa “Madonna
degli Occhi Grossi”. El gran trono en el que se sitúa la Virgen es de mármol. El pintor,
pues, intenta crear la apariencia de que el trono está realizado en esta piedra. Presenta,
además, numerosas incrustaciones de estilo gótico y Cosmati en el mismo, que dan
claras influencias de la escuela romana, seguramente recibidas por parte de Cimabue y
Arnolfo. Por otro lado, la base octogonal con la inscripción vincula el punto focal de
toda la catedral al hexágono y dodecágono arquitectónico del crucero, lugar destinado
para la colocación del retablo.
Duccio, al ser el fundador de la escuela de Siena, continúa fuertemente con las
tradiciones bizantinas, las cuales se muestran tanto en la iconografía de la obra, como en
la forma de realizar las cabezas de las figuras. Todo ello se une a los ropajes puramente
góticos que caen suavemente y forman sinuosos pliegues. Gracias a la técnica de la
témpera sobre tabla, el autor consigue un color encendido que no se encuentra al
alcance de la pintura al fresco. Existe gran gama de riqueza de colores azules pálidos y
