Passeggiata a Roma 13/01/2016, Classe IV E

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Opere

L’Estasi di Santa Teresa ......................................................................................... 2

San Carlo Alle Quattro Fontane ................................................................................ 5

Fontana di Trevi .................................................................................................. 7

Caravaggio a San Luigi Dei Francesi ........................................................................... 8

Affreschi di Andrea Pozzo a Sant’Ignazio .................................................................... 12

Galleria Spada ................................................................................................... 14

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L’Estasi di Santa Teresa

La Transverberazione di santa Teresa d'Avila, o anche Estasi di

Santa Teresa, è una scultura in marmo e bronzo dorato posta nella

chiesa di Santa Maria della Vittoria in Roma, nella cappella

Cornaro. È unanimemente considerata dalla critica come uno dei

capolavori scultorei, se non il massimo, di Gian Lorenzo Bernini.

Lo stesso Bernini, riferendosi all'intera cappella, la definì come la

sua «men cattiva opera».

Nel 1647, la carriera di Bernini era in un periodo di leggero

appannamento, tuttavia nello stesso anno sotto il papa Innocenzo

X, la famiglia Cornaro (più precisamente il cardinale Federico

Cornaro), commissiona a Bernini una parte del transetto sinistro

della chiesa di Santa Maria della Vittoria destinato a essere

l’ubicazione dell’Estasi di Santa Teresa e di tutta la cappella

Cornaro.

L’opera presenta una vera

e propria

rappresentazione teatrale

tipicamente Barocca in

grado di stupire

l’osservatore con tanto di

mezzi busti dei suoi

committenti che, situati ai

lati della cappella, fungono da spettatori della scultorea

rappresentazione teatrale. Per rendere ancora più reale la scena,

Bernini li scolpisce intenti a scambiarsi commenti sullo spettacolo.

Autore:

Gian Lorenzo

Bernini

Data:

1647-1652

Committenza:

Cardinale Federico

Cornaro

Materiali:

Marmo e bronzo dorato

Altezza:

350 cm

Ubicazione:

Chiesa di Santa Maria

della Vittoria

Stile:

Barocco

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Infatti in quest'opera Bernini, mettendo a frutto la sua esperienza diretta di organizzatore di spettacoli

teatrali, trasforma, in senso letterale, lo spazio della cappella in teatro.Per far ciò egli amplia

innanzitutto la profondità del transetto; poi, aprendo sulla parete di fondo una finestra con i vetri

gialli, pensata per rimanere nascosta dal timpano dell'altare, si procura una fonte di luce che agisce

dall'alto, come un riflettore, e che conferisce un senso realistico alla irruzione sulla scena di un fascio

di raggi in bronzo dorato, così la luce che scende sul gruppo, attraverso i raggi, sembra momentanea,

transitoria e instabile in modo da rafforzare la sensazione di provvisorietà dell'evento. Anche la

freccia originaria retta dall'angelo, ora sostituita da un semplice dardo, venne realizzata con dei raggi

che scaturivano dalla sua punta, a rappresentarne il fuoco del "grande amore di Dio", come santa

Teresa stessa ebbe a dire nella sua autobiografia.

L'elegante edicola barocca, realizzata con marmi policromi, nella quale Bernini colloca la scena della

Transverberazione di Santa Teresa, funge da boccascena del teatro: essa mostra la figura della santa

posata su una vaporosa nuvola che la trasporta verso il cielo.

La veste ampia e vaporosa della santa, lasciata cadere in modo disordinato sul corpo, è un capolavoro

di virtuosismo tecnico, per effetto del quale il

marmo perde ogni rigidezza e la scultura sembra

voler contendere alla pittura il primato nella

rappresentazione del movimento.

La raffigurazione delle estasi mistiche dei santi e

delle loro visioni del divino, rappresenta uno dei

temi più cari all'arte barocca

Anche sotto questo aspetto, della raffigurazione

dell’estasi, l'opera realizzata da Bernini nella

cappella Cornaro, sarà destinata a far scuola e ad

essere presa a modello innumerevoli volte nella

storia dell'arte sacra.

Sul piano iconografico la Transverberazione di

santa Teresa è direttamente ispirata ad un celebre

passo degli scritti della santa, in cui ella descrive

una delle sue numerose esperienze di rapimento

celeste.

Il resoconto che la santa ci offre è raffigurato quasi

alla lettera da Bernini nella sua composizione

marmorea, con il corpo completamente

abbandonato della santa, il suo volto dolcissimo

con gli occhi socchiusi rivolti al cielo e le labbra

che si aprono per emettere un gemito, mentre un

cherubino dall’aspetto di fanciullo giocoso, con in

mano un dardo, simbolo dell'Amore di Dio, scosta

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le vesti della santa per colpirla nel cuore.

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In 1647, the venetian cardinal

Federico Cornaro, gave Bernini the

job of designing a funerary chapel

for his family, inside the church of

Our lady of Victory in Rome.

The entire chapel is covered with

valuable and coloured marble. To

decorate the altar, Bernini chose the

catholic theme of the ecstasy of

Saint Teresa. The artist placed his

work into an architectural frame,

transforming the chapel into a sort

of proscenium, so to involve the

viewer. The focus of attention is the

sculptural group of the Ecstasy of Saint Teresa. She seems to be hanging upon a cloud, completely

enraptured; her eyes are half-closed, her mouth half-open, and her arms are let drop. A smiling angel

shifts Teresa's tunic, and he's about to hit her heart with a golden arrow, which symbolizes the divine

love. Saint Teresa's expression could appear ambiguous: some critics talk about a 'holy eroticism';

Bernini was actually inspired by the words of Teresa's herself. In fact she wrote that she was

screaming with pain, but at the same time she experienced such a pleasant feeling that she hoped the

pain would last forever, and that feeling was caused by God, who was gently touching Saint Teresa's

soul. The entire sculptural group is lit up by the natural light, reflected on the artificial bronze rays,

which symbolizes the divine light that invests the Saint.

Autori: Fabrizio Attene e Francesca Andreucci

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San Carlo Alle Quattro Fontane

La chiesa di San Carlino

alle Quattro Fontane fu il

primo importante incarico

di Borromini, insieme al

quale gli fu affidata la

progettazione del convento

dall'ordine spagnolo dei

Trinitari scalzi.

L'edificio é dedicato a San

Carlo Borromeo ed è noto

come “San Carlino” per le

sue piccole dimensioni (l'edificio occupa lo spazio di un pilone della

cupola di San pietro).

Disegnando il piccolo chiostro rettangolare del convento, Borromini

creò un'inconsueta tipologia di edificio distribuendo gli intervalli delle

colonne con ritmi alterni ed eliminando gli angoli, creando corpi

convessi.

La pianta si trasforma in un ottagono irregolare. L'alzata ha un doppio

ordine di colonne, quelle inferiori sono tuscaniche con un capitello con

abacco prolungato, e creano un architrave continuo, retto nelle porzioni

di muro e curvo negli archi. Con questo intervento Borromini si rivelò

fondamentale nell'affrontare il tema della continuità ottico-spaziale.

Borromini non fa mai incontrare due superfici piane, cerca sempre di

addolcire gli spigoli e di eliminare qualsiasi forma di discontinuità.

Nella chiesa lo schema della pianta è sovrapposta dal perimetro

mistilineo dell'edificio.

La pianta ha un fortissimo effetto di contrazione spaziale. La trabeazione

sostiene una zona a pennacchi sulla quale si innalza una cupola ellittica

decorata a cassettoni

ottagonali, esagonali e

cruciformi che

diminuiscono di

dimensione verso il centro,

creando l'illusione che sia

molto più grande.

Autore:

Borromini

Data:

1638-1641

Committenza:

Ordine dei Trinitari

Scalzi

Stile:

Barocco

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La facciata fu progettata vent'anni dopo. Articolata da un ordine piccolo e grande si distingue per la

sua verticalità.

La parte inferiore è divisa

verticalmente in tre zone: le due

esteriori concave, la centrale

convessa.

Nella parte superiore tutti i settori

sono concavi, in cima un

medaglione ellittico è sorretto da

angeli.

Autore: Elisa Martini

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Fontana di Trevi

The Trevi Fountain is a fountain in the Trevi district in Rome, Italy,

designed by the Italian architect Nicola Salvi and completed by

Pietro Bracci.

It is the largest

Baroque fountain in

the city and one of

the most famous

fountains in the

world. In 1730,

Pope Clement XII

organized a contest

in which Nicola

Salvi was awarded

the commission anyway. Salvi died in 1751, with his work half

finished; Pietro Bracci substituted him and finished the work in

1764.

The central figure of the fountain, standing in a large niche, is

Neptune, god of the sea. He rides a shell-shaped chariot that is

pulled by two sea horses. Each se horse is guided by a Triton. One of

the horses is calm and obedient, the other one restive. They

symbolize the fluctuating moods of the sea. A legend says that if you

throw a coin the fountain’s basis, you can make a wish.

Autore: Nicola Civetta

Autore:

Nicola Salvi, Pietro

Bracci

Data:

1732-1762

Committenza:

Papa Clemente XII

Materiali:

travertino, marmo,

intonaco, stucco,

metalli

Altezza:

2600 cm

Ubicazione:

Piazza di Trevi

Stile:

Barocco

https://it.wikipedia.org/wiki/1732https://it.wikipedia.org/wiki/1762

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Caravaggio a San Luigi Dei Francesi

In San Luigi dei Francesi, there are three masterpieces by Caravaggio.

They are in the Contarelli Chapel. In fact, Matteo Contarelli had left in

his will funds and specific instructions for the decoration of a chapel,

based on the story of Saint Matthew. Cardinal Francesco del Monte,

Caravaggio’s patron, interved to obtain his first major commission. The

three works represent “The Calling of St. Matthew”, “Saint Matthew

and the Angel” and “The Martyrdom of St. Matthew”.

La Vocazione di San Matteo

La vocazione di San Matteo

è la prima opera, eseguita

da Caravaggio, per una

destinazione pubblica. Il

dipinto è realizzato su due

piani paralleli, quello più

alto vuoto, occupato solo

dalla finestra, mentre quello

in basso raffigura il

momento preciso in

cui Cristo indicando san

Matteo, lo chiama all'apostolato. San Matteo è seduto ad un tavolo con

un gruppo di persone, vestite come i contemporanei del Caravaggio,

come in una scena da osteria. La tela è densa di significati allegorici. In

primo luogo proprio la luce, grande protagonista della raffigurazione

pittorica, assurge a simbolo della Grazia divina (non a caso non

proviene dalla finestra dipinta in alto a destra che, anzi, resta del tutto

priva di luminosità, ma dalle spalle di Cristo ), Grazia che investe tutti

gli uomini pur lasciandoli liberi di aderire o meno al Mistero della

Rivelazione; non bisogna dimenticare, poi, che la chiesa di San

Luigi rappresentava la nazione francese, e l'allora Re di Francia, Enrico

IV, si era appena convertito al Cattolicesimo, scegliendo così la

Salvezza.

E così, solo alcuni dei personaggi investiti dalla luce (i destinatari della

"vocazione" insieme a Matteo il Pubblicano) volgono lo sguardo

verso Gesù, mentre gli altri preferiscono restare a capo chino, distratti

dalle proprie solite occupazioni. Forse non è casuale che uno dei

compagni di Matteo porti gli occhiali, quasi che fosse accecato dal

denaro. La luce inoltre ha la funzione di dare direzione di lettura alla

scena, che va da destra a sinistra e torna indietro quando incontra

Autore:

Caravaggio

Data:

1600-1602

Committenza:

Cardinale Francesco

Del Monte

Ubicazione:

Chiesa di San Luigi dei

Francesi

https://it.m.wikipedia.org/wiki/Cristohttps://it.m.wikipedia.org/wiki/San_Matteohttps://it.m.wikipedia.org/wiki/San_Matteo

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l'umanissima espressione sbigottita ed il gesto di San Matteo che punta il dito contro se stesso al fine

di ricevere una conferma, come se chiedesse a Cristo e a San Pietro: "State chiamando proprio me?".

Di grande intensità e valenza simbolica, nella Vocazione, è il dialogo dei gesti che si svolge tra

Cristo, Pietro e Matteo. Il gesto di Cristo (che altro non è che l'immagine speculare della mano

protesa nella famosissima scena della Creazione di Adamo – Cristo è il "nuovo Adamo"! – della

Cappella Sistina michelangiolesca, che Caravaggio avrà certo avuto modo di studiare ed apprezzare)

viene ripetuto da Pietro, simbolo della Chiesa Cattolica Romana che media tra il mondo divino e

quello umano (siamo in periodo di Controriforma) e a sua volta ripetuto da Matteo.

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The “Calling of St. Matthew” represents the moment when Jesus convinced Matthew to follow him,

becoming one of his apostles. All the characters are in a tavern. They are all dressed in the XVII

century way, except two of them: they are Jesus and St. Peter, dresseed in the way of their time. The

other characters are doing different things.

Jesus and Peter point Matthew, who points himself astonished. The protagonist of the work is the

light, that breaks the darkness of the room and represents the Divine Grace. The painting reflects on

how men can reach salvation: are we saved by Grace or by actions? The painting answers

representing both: God gives the Grace, but men have to answer the calling. In the painting, only two

characters aswer the calling: Matthew and the young man near him. Saint Peter was added later and

represents the return of the Huguenots in the Catholic Church.

https://it.m.wikipedia.org/wiki/Creazione_di_Adamo_%28Michelangelo%29https://it.m.wikipedia.org/wiki/Controriforma

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San Matteo e l’angelo

Nel 1602 Caravaggio si impegnò a

dipingere il quadro destinato all'altare

della cappella. Il soggetto era San

Matteo e l'angelo. Nell’opera,

l'evangelista doveva mostrarsi intento a

scrivere il proprio vangelo. La prima

versione di quest'opera fu rifiutata in

quanto venne ritenuta inappropriata; san

Matteo infatti è raffigurato come un

vecchio impacciato, rozzo, vestito come

un ricoverato in un ospizio e con i piedi

sporchi in primo piano. Inoltre, l'angelo

guidava la mano incerta dell'evangelista

aiutandolo materialmente nelle

operazioni di scrittura. Questo dipinto

fu distrutto nella seconda guerra

mondiale. Nella seconda versione

invece l'evangelista è vestito come un

vecchio filosofo e il messaggero divino,

che volteggia sopra di lui, gli ricorda quali sono i concetti principali da tenere a mente. La posa del

santo, inginocchiato sopra una panchetta, non è proprio ortodossa. La gamba del sedile su cui si

appoggia Matteo infatti, ha una gamba fuori dal pavimento, particolare che suggerisce la possibilità

che il santo stia per cadere a terra.

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The first version of this work was refused, because Matthew seemed an illiterate. In the version that

was accepted, Matthew is represented as an old philosopher, while he’s writing. It looks like he’s

rapidly taking notes: his position on the stool is unstable. The angel is helping him remembering the

most important concepts that he must write in the gospel

.

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Il Martirio di San Matteo

Il momento che viene rappresentato

proprio l’esatto istante in cui San

Matteo sta per essere ucciso da un

soldato che è stato inviato dal re di

Etiopia, il quale era stato ammonito

dal santo poiché aveva oltraggiato

Dio in precedenza. Nella scena

dipinta da Caravaggio possiamo

vedere il santo a terra che viene

tenuto per un braccio dal soldato il

quale sta preparando la spada per

ucciderlo; attorno ai due c’è una

folla che mostra delle reazioni

diverse davanti a questo evento: c’è

chi è terrorizzato, chi è stupito e chi

non sa cosa sta succedendo. Molto

interessante il volto dell’assassino, il

quale con la bocca aperta sembra

che stia digrignando i denti, in preda al furore che sta per trasformarsi nell’omicidio del santo;

notiamo la presenza nella parte alta della tela di un angelo, che dall’alto della sua nuvola sta tendendo

a San Matteo la palma del martirio, trasformando così il semplice evento della sua morte nel topico

momento del suo martirio; a tal proposito, non è ben chiaro se San Matteo con il braccio destro stia

cercando di difendersi dal suo aggressore o se stia invece cercando di afferrare la palma che gli sta

tendendo l’angelo.

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The work represents the moment when St. Matthew is going to be killed by a soldire, sent by the

Ethiopian king, who was admonished by the Saint because he had offended God. Saint Matthew is on

the ground while the soldier is preapering his sword to kill him. There are some people around them

and they all have different reactions: one is terrified, one is astonished, one doesn’t know what’s

happening. It’s interesting the presence of the angel, who is bringing the martyr’s palm to the Saint.

It’s not clear if Matthew is defending himself with his arm or if he’s trying to take the palm.

Autori: Alessandra Tamburro e Anna Ferrarotti

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Affreschi di Andrea Pozzo a Sant’Ignazio

Padre Oliva commissionò

ad Andrea Pozzo la

decorazione per la chiesa di

Sant'Ignazio a Roma.

Andrea Pozzo influenzò

moltissimo l'arte del '700 in

Italia e nei territori tedeschi.

Iniziò a lavorare per la

Compagnia di Gesù e si

trasferì a Roma nel 1681.

Decorò la volta della Chiesa

con il Trionfo di

Sant'Ignazio, dipinto tra il

1688 e il 1694.

L'iconografia e lo stile

dell'opera traducono il

programma gesuitico ed

evidenziano l'intento

propagandistico della

commissione. Le

personificazioni dei 4 continenti allora conosciuti sono dipinte nei

pennacchi e alludono alla diffusione mondiale dell'ordine. È creato

un profondo spazio illusorio per mezzo di colonne e arconi dipinti ed

inoltre la chiesa sembra aprirsi su un cielo che accoglie il santo in

gloria.

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Andrea Pozzo, a Jesuit lay

brother, painted the grandiose

fresco that stretches across the

nave ceiling (after 1685). It

celebrates the work of Saint

Ignatius and the Society of

Jesus in the world presenting

the saint welcomed into

paradise by Christ and the Virgin Mary and surrounded by

allegorical representations of all four continents. Pozzo worked to

open up, even dissolve the actual surface of the nave's barrel vault

illusionistically, arranging a perspectival projection to make an

observer see a huge and lofty cupola, open to the bright sky, and

Autore:

Andrea Pozzo

Data:

1688-1694

Committenza:

Padre Oliva

Ubicazione:

Chiesa di Sant’Ignazio

Stile:

Barocco

https://en.wikipedia.org/wiki/Andrea_Pozzohttps://en.wikipedia.org/wiki/Lay_brotherhttps://en.wikipedia.org/wiki/Lay_brother

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filled with upward floating figures. A marble disk set into the middle of the nave floor marks the ideal

spot from which observers might fully experience the illusion. A second marker in the nave floor

further east provides the ideal vantage point for the trompe l'oeil painting on canvas that covers the

crossing and depicts a tall, ribbed and coffered dome. The cupola one expects to see here was never

built and in its place, in 1685, Andrea Pozzo supplied a painting on canvas with a perspectival

projection of a cupola. Destroyed in 1891, the painting was subsequently replaced. Pozzo also

frescoed the pendentives in the crossing with Old Testament figures: Judith, David, Samson, and

Jaele.

Pozzo also painted the frescoes in the eastern apse depicting the life and apotheosis of St Ignatius.

The Siege of Pamplona in the tall panel on the left commemorates the wounding of Ignatius, which

led to the convalescence that transformed his life. The panel over the high altar, Vision of St Ignatius

at the Chapel of La Storta, commemorates the vision that gave the saint his divine calling. St Ignatius

sends St Francis Xavier to India recalls the aggressive Jesuit missionary work in foreign countries,

and finally, St Ignatius Receiving Francesco Borgia recalls the recruitment of the Spanish noble who

would become General of the Company of Jesuits. Pozzo is also responsible for the fresco in the

conch depicting St. Ignatius Healing the Pestilent.

Autori: Aurora Scaglione e Francesco Scopece

https://en.wikipedia.org/wiki/St_Francis_Xavierhttps://en.wikipedia.org/wiki/Francesco_Borgia

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Galleria Spada

È un capolavoro di

Borromini che risale

agli anni 1652-53. Il

palazzo prende il nome

dal cardinale Bernardino

Spada, che lo acquistò

nel 1632 incaricando

Borromini di

ristrutturarlo. La galleria

sembra monumentale e

molto profonda (circa

37 metri); dall'ingresso

si scorge una scultura

che si direbbe di altezza

naturale. In realtà si

tratta di un artificio

prospettico: la galleria è

lunga poco più di 8

metri e la scultura è alta

appena 80 centimetri.

Le colonne diventano

via via più corte, le

volte cassettonate

diventato invece più

basse e il pavimento si eleva di quota. Questo edificio è uno degli esempi

più suggestivi del Barocco che deve meravigliare colui che guarda l'opera

d'arte.

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The palace is named after the cardinal Bernardino Spada who purchased it

in 1632 commissioning Borromini to renovate it for him.

Crossing the courtyard we can notice the gallery which seems to be

monumental and not less than 37 meters long , with a sculpture at the end

which as well seems to be lifesize. But if we start walking along the

corridor we will immediately find out that it is only a perspective trick: the

gallery is 8 meters long and the sculpture is only 80 centimeters high.

Borromini created this perspective optical illusion diminishing the height

of the columns, rising the floor and lowering the coffered vaults.

Even if the official aim of the gallery was to condemn the sensory illusion,

this building is an evidence of the baroch's desire to amaze the spectator.

Autore:

Borromini

Data:

1652-53

Committenza:

Bernardino Spada

Ubicazione:

Palazzo Spada

Stile:

Barocco

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Autori: Claudia Caldarella e Benedetta Capobianco

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